20.10.2020
В рамках специального проекта, посвященного 5-летию НЦСИ, виртуальные посетители наших страниц в соцсетях голосовали за те направления в белорусском искусстве, информацию о которых они хотели бы узнать на примере работ из коллекции центра.
Из коллекции НЦСИ представляем произведение Кирющенко Сергея Ивановича «Плач». 1990. Холст, масло. 140х200см.
Закуплена Дирекцией художественных выставок Министерства культуры БССР 1990.
|
|
Кирющенко Сергей Иванович
|
Полотно «Плач» Сергея Кирющенко – одно из произведений нескольких серий на библейскую тему, которая интересовала художника в 1980-1990 гг. Сюжеты Снятия с Креста, похорон Христа, как и другие эпизоды Ветхого и Нового Заветов, были отражены автором в стиле экспрессионизма, близкого ему в то время.
Головой направо от зрителя, в обобщенно переданном гробу в пеленах изображена статичная человеческая фигура. Атмосфера скорби, трагедии прекрасно передана в общем свинцовом колорите работы, в движении справа-налево на втором плане произведения – около десяти оплакивающих утрату сгорбленных фигур, плакальщица в правой части полотна изображена стоящей на коленях над телом ушедшего.
«Произведения Сергея Кирющенко вот уже как сорок лет не перестают обращать на себя внимание, причем каждые пять-семь лет художнику удается трансформировать вектор своей деятельности. Он идентифицирует себя как живописец, но тем не менее постоянно обращается к возможностям иных медиа: скульптуре и шелкографии, фотографии и видео, land art и public art опытам, neon art и работе с текстом. От экспрессивно-реалистической посткубистской пейзажной живописи Кирющенко ушел в нефигуративный абстракционизм, затем заново вернулся к фигуративизму через изучение архаики и снова сквозь синтез land art и приемов концептуального искусства обратился к абстракционизму. Сегодня художник в многократном повторении синтезирует парадигму абстракционизма с теорией урбанизма и концепциями public art. Так в проекте «Пришло время вплотную заняться приземленным искусством» Сергей Кирющенко расписывал сгоревшие деревенские сооружения, создал фото и видео документацию проекта, на базе которой подготовил серию шелкографий, концептуальных холстов, в конечном итоге придя к абстрактной живописи» (INDEXдинамичная энциклопедия белорусского современного искусства).
Сергей Кирющенко
Родился в 1951 году в г. Чита, Российской Федерации.
1977 – окончил Белорусский государственный театрально-художественный институт.
С 1988 г. – участник художественных выставок.
До 2002 - участник выставок объединения «Немига-17».
С 1983 – член Белорусского союза художников.
Мирошников Михаил Иванович,
заведующий отделом (выставочные залы) НЦСИ
27.07.2020
Виртуальный проект, посвященный 5-летию НЦСИ.
Из коллекции НЦСИ представляем произведения Александра Соловьева - одного из старейших художников Витебска, представителя «тихих бунтарей», как окрестили поколение 1970-х гг. некоторые современные исследователи.
|
|
«Краски земли»; 2005, ДВП, масло |
С именами А.Соловьева, О.Орлова связывают начало развития витебского авангарда в 1970–80-х гг. Их работы отличаются свободным, раскрепощенным подходом к форме и цвету, столь характерным для послевоенной латышской живописи. «Если в 1960-е годы большое влияние на белорусское искусство оказывали московские и ленинградские представители «сурового стиля», то в 1970-е – поиски живописцев прибалтийских республик» [1].
|
|
«Композиция», 2007, картон, масло |
Александр Александрович Соловьев приезжает в Витебск в 1965 году, окончив театрально-декорационное отделение Белорусского государственного театрально-художественного института. Живописец долгое время прожил в Латвии, впитав атмосферу «свободного искусства», когда работы создаются скорее по импульсу внутреннего вдохновения, чем по строго рассчитанным композиционным схемам. Именно такую эмоциональную живопись он и воплощает в своих произведениях.
Художнику удавалось, в отличие от своих земляков, избегать художественной критики и негативного восприятия творчества в эпоху доминирования соцреализма, главным образом, благодаря специфике театральной живописи, которая допускала значительно большую свободу в выборе выразительных средств, чем станковая. Александр Соловьев вспоминал: «как только моя картина выходила за рамки общепринятой, я говорил, что это эскиз к театральной постановке, и меня сразу оставляли в покое. В театральной живописи разрешалось делать почти все. Так под маской декорационных этюдов я создал большинство своих работ» [2].
|
|
«Образ», 2010, бумага, смеш. техника |
Живописец в полотнах безграничен в отношении создания художественного образа: как в обращении к различным направлениям художественного наследия человечества, так и в использовании арсенала выразительных средств, предоставляемых ими. Чаще всего живописец обращается к эстетике абстрактного искусства. Его картины передают зрителю внутреннее восприятие автором увиденного, будь то впечатление от солнечного весеннего дня («Апрель», 1998), или размышление о судьбе человека («Мексиканская коррида», 2000), или обращение к сакральным темам существования мира («Архангел», 1994).
|
|
«Настроение», 2001, бумага, смеш. техника |
Говоря о творчестве А. Соловьева, нужно отметить, что какой бы образ не воплощал автор, он добивается в каждом произведении слаженного чувства ритма, цвета и пространства.
Олеся Иноземцева,
заместитель директора по творческой работе,
искусствовед, арт-куратор.
Александр Александрович Соловьев
Родился 13 сентября 1926 года в деревне Солони.
В 1943-1944 годах, в возрасте 17 лет, участвовал в партизанском движении, с 1944 года находился в действующей армии и принимал участие в боях в Прибалтике и на Карельском перешейке. Впоследствии Александр Александрович Соловьёв был награждён Орденом Красной Звезды, а также памятными медалями в честь Победы в Великой Отечественной войне.
После демобилизации в 1949 году художник уехал к матери в Мадону, Латвия. В 1955 году поступил в ЛВХПУ им. В. И. Мухиной на отделение мастеров монументально-декоративной живописи. После его окончания некоторое время работал учителем рисования и черчения в средней школе в Мадоне.
С 1959 по 1965 года Александр Соловьёв учился в Белорусском государственном театрально-художественном институте. С 1965 года работал художником-постановщиком в Национальном академическом драматическом театре имени Я. Коласа, а позднее (вплоть до 1995 года) - его главным художником.
С 1966 года Александр Соловьёв стал членом Союза художников СССР. В 1968-1969 годах - председателем худсовета Витебских художественных производственных мастерских. В 1973-1977 — председателем правления Витебской областной организации Союза художников БССР. В 1982 году Александру Александровичу Соловьёву было присвоено звание Заслуженного деятеля искусств БССР.
В 2017 Александр Соловьев награжден орденом Франциска Скорины в соответствии с указом президента за многолетний плодотворный труд, значительный личный вклад в развитие искусства и культуры Беларуси.
[1] Борозна, М.Г. Белорусская живопись: 1920–1970 / М.Г. Борозна. - Минск.: Белорус. дом печати, 2006. - 191 с.
[2] из беседы с Александром Соловьевым
20.07.2020
Виртуальный проект, посвященный 5-летию НЦСИ.
Из коллекции НЦСИ представляем работы Олега Сковородко «Память», (1994, холст, масло) и «Осенние свечи» (2001, холст, масло).
Живописные контрасты, сложные фактуры и четкая композиция характерны творчеству Олега Сковородко, витебского художника, ученика Феликса Гумена. Его работы давно приобрели яркий авторский почерк, который сразу узнается среди произведений других живописцев.
|
|
Олег Сковородко «Память» (1994, холст, масло) |
Творчество Олега Сковородко нередко сконцентрировано на сельской тематике: домики, их жители, сельские церквушки. Это картины–размышления, картины–память: «Уходящая деревня», «Одиночество» (посвящение отцу и матери), «Зов». Изображения проникнуты умиротворенностью, столь характерной для неспешной жизни белорусской деревни, и вместе с тем, это не пастораль. Осмысленно или интуитивно, живописец наполняет свои сюжеты мироощущением прошедшей эпохи. Его полотна – это островки жизни белорусского этноса, сохраняющие свои традиции, веру, быт, несмотря на стремительно меняющийся мир вокруг. И вместе с тем, многие работы художника сродни картинам-ребусам, предлагающим зрителю большое количество смысловых интерпретаций.
|
|
Олег Сковородко «Осенние свечи» (2001, холст, масло) |
Олег Сковородко работает в различных жанрах: пейзаже, натюрморте, портрете. Цветовое решение работ колоритно, в них сложно переплетаются чистый цвет и тонкие полутона. Все творчество художника направлено на поиск нравственного идеала в современном обществе. Не случайно его образы перекликаются с изображениями византийских икон: вытянутые фигуры, утонченные лица. Храмы и дома на полотнах О. Сковородко, как и люди, стремятся ввысь, приподнимаясь над земным окружением. По мнению живописца, стремление к духовности – первооснова жизни человека, что он и стремиться выразить в каждом своем произведении.
Олеся Иноземцева,
заместитель директора по творческой работе,
искусствовед, арт-куратор
|
|
Олег Александрович Сковородко Родился 05.10.1948, д. Осьё Лепельского р-на Витебской обл., белорусский живописец. Окончил художественно-графический факультет Витебского государственного педагогического института (1972). Учился у Ф. Гумена, Л. Дягилева, А. Некрасова. Участник многочисленных коллективных выставок и международных пленэров с 1976 г. Член Белорусского союза художников (1986). Председатель Витебского отделения Белорусского союза художников (1991–94), (2003–08). Работает преимущественно в технике масляной живописи. |
13.07.2020
Виртуальный проект, посвященный 5-летию НЦСИ.
|
|
Кищенко Александр Михайлович |
Спокойное и сдержанное название «Пейзаж с лодкой» мы можем встретить у многих пейзажистов - по большей части это картины о робком присутствии человека где-то на краю водных пространств, где ничего особенного не происходит, лишь тихое взаимодействие человека и природы. Несмотря на неэмоциональное, не предвещающее катастрофы название, «Пейзаж с лодкой» Александра Кищенко - в огне. На пейзаж обрушился Космос. Картина «горит» трансцендентным. Наполнена ощущением великого, происходящего здесь и сейчас. «Пейзаж с лодкой» Александра Кищенко является важным произведением в коллекции НЦСИ.
Александр Кищенко, которого нет с нами уже более 20 лет, был художником поистине космического мышления. Как известно, наряду с гигантскими мозаиками и гобеленами (один из которых - под названием «Гобелен века» - занесён в Книгу рекордов Гиннесса как самый большой гобелен в мире), в живописных работах Кищенко представлял свою художественную версию вселенной, раскрывая идею о труднообъяснимой связи между тайнами космоса и человеком.
Мотив реки неединожды встречается в живописи А. Кищенко и связан во многом с Доном, на берегах которого, в Воронежской области, родился будущий художник. С детства он видел здесь огромные пространства, дикие каньоны, бесконечное небо, благодаря которым прочувствовал параллель земного с бескрайним космосом.
Во «вселенском реализме», как сам Кищенко обозначал свою живопись, земное сосуществует с придуманными художником космическими объектами и энергией, которые естественным образом разлиты, как трансцендентное, в мире людей. При этом вселенную художник представляет не холодной, безжизненной пустыней, а динамической средой, которая активно присутствует и действует именно там, где есть человек. В одном из интервью сын Александра Кищенко заметил: «Отец всю жизнь пытался найти ответ на вопрос: какова наша роль в этом огромном необъятном космосе. Уверен, что ответ он нашёл. Глядя на картины, видим, что в центре - люди».
Ольга Вишнева,
ведущий научный сотрудник НЦСИ
Кищенко Александр Михайлович (1933-1997) - один из самых известных художников Беларуси XX века, народный художник Беларуси.
Окончил Львовский государственный институт декоративно-прикладного искусства (1960 г.). Творческую деятельность начинал во Львове, Киеве. С 1963 г. жил и работал в Минске. В 1963-1970 гг. преподаватель Белорусского театрально-художественного института. В художественных выставках участвовал с 1961 г.
Работал в монументальной и станковой живописи, в гобелене.
Значимые работы в монументальном искусстве - 4 панно («Город-воин», «Город науки», «Город культуры», «Город-строитель») на торцах жилых домов микрорайона Восток (1978 г.), мозаичная композиция на фасаде гостиницы «Турист» (1973 г.), «Октябрь» на административном здании на Юбилейной пл. (1975 г.) (все в Минске).
Гобелены Кищенко размещены в зале ООН в Нью-Йорке, в Белорусском государственном музыкальном театре, Белорусском театре оперы и балета и др. Самая известная работа - «Гобелен века» - уникальное произведение, представленное публике в 1996 г. и внесенное в Книгу рекордов Гиннесса как самый большой гобелен в мире (размер - 19x14 метров). За эту работу художнику присуждена Государственная премия Беларуси.
Произведения А. Кищенко находятся в Национальном центре современных искусств Республики Беларусь, Национальном художественном музее Беларуси, Третьяковской галерее в Москве, фондах Белорусского союза художников, Министерства культуры России, в корпоративных коллекциях Банка развития Республики Беларусь, Приорбанка, в частных коллекциях семьи Ф. Миттерана, Б. Клинтона и др.
06.07.2020
Из коллекции НЦСИ представляем работу Олега Елизарова (1969 - 2010)
|
|
Олег Елизаров |
Городской пейзаж. На полотне изображена набережная реки Западная Двина, увиденная художником из окна ДХШ г. Полоцка. На переднем плане почти монохромного по колориту полотна, слева от зрителя – торец здания из полоцкой застройки ХIХ – нач. ХХ вв. Доминанта композиции находится на втором плане – это 3 черных силуэта побеленных тополей, побеги ветвей которых обрезаны городскими службами. Слева видны очертания провинциального трехэтажного дома.
Работа практически повторяет методы изображения, найденные во французском примитивизме.
Мирошников Михаил Иванович,
заведующий отделом (выставочные залы) НЦСИ
Елизаров Олег Валентинович
Родился 8 мая 1969 в Солигорске.
Закончил художественно-графический факультет Витебского государственного университета имени П.М. Машерова. Преподаватель: Валентина Ляхович.
Преподавал в Детской художественной школе г. Полоцка.
Основатель художественного объединения «Белый круг»* и т.н. «белого стиля» в современной белорусской живописи.
Манера исполнения очень похожа на стилистику живописных произведений французского постимпрессиониста, примитивиста Мориса Утрилло*.
* «Белый круг» - с 1999 г., художественное объединение с центром в г. Полоцке, куда входили Олег Елизаров (Солигорск), Андрей и Татьяна Пискуны, Андрей Михайлов (Полоцк), Дмитрий Мшар, Игорь Прудников, Ольга Рослевич (Витебск), Алег Прокорина (Несвиж), Ирина Бабарико (Новополоцк), Сергей Чертилин (Минск).
** Морис Утрилло (фр. Maurice Utrillo; 25 декабря 1883, Париж - 5 ноября 1955, Дакс) - французский живописец-пейзажист. В 1920-х художник стал знаменитостью международного масштаба. В 1925 году по заказу Сергея Дягилева создал декорации для балета Джорджа Баланчина «Барабо».
29.06.2020
В рамках специального проекта, посвященного 5-летию НЦСИ, виртуальные посетители наших страниц в соцсетях голосуют за те направления в белорусском искусстве, информацию о которых они хотели бы узнать на примере работ из коллекции центра. По результатам голосования ( https://docs.google.com/forms) на сегодняшний день лидирует направление, получившее название «белорусский авангард».
1980-90-е гг. - время, ознаменовавшееся радикальными изменениями всей социально-политической системы нашей страны и столь же радикально отразившееся на белорусском искусстве. Уже с конца 1980-х гг. новаторское творчество художников разнообразных объединений и групп, сформировавшихся в этот период, разбивало устойчивые стереотипы восприятия художественного произведения. Это время создало ряд ярких образов и личностей, к которым, несомненно, относится витебский художник Александр Досужев.
|
|
Александр Досужев
|
Александр Игоревич был одним из членов творческого объединения «Квадрат», созданного в Витебске в 1987 г. Художники – члены «Квадрата» являлись нонконформистами и стремились реабилитировать в белорусском искусстве наследие Казимира Малевича и его соратников, творивших в Витебске в 1920-х гг.
Александр Досужев обосновал авторскую теорию ПЛИПа: «Вечная Поверхность – наша земля. Линии рек, дорог и наших судеб. Пятна полей лесов и наших лиц постоянно меняют свой цвет (кратко: поверхность, линия, пятно)». Работы по ПЛИПу – это композиции с одной стороны упрощенные, с другой – наполненные космологическим смыслом. Работа «Зиг Заг» выполнена в рамках данной теории. Поверхность – земля (космос, бытие), незыблемая и совершенная в своей бесконечности. Линия, расчерчивающая поверхность, вносит в нее изменения, заставляет трансформироваться и развиваться. А пятна, в большинстве своем продолговатые, несут идею яйца – символа зарождения жизни (разума, идеи).
«Квадрат» своей деятельностью ставил целью воссоединить прерванную связь между художественным авангардом 1920-х годов и искусством Витебска 1980-1990-х годов, а творчество художников, входящих в объединение, стало одним из наиболее ярких выразителей идей «белорусского авангарда».
Олеся Иноземцева,
заместитель директора по творческой работе,
искусствовед, арт-куратор
|
|
Александр Досужев (31.10.1945, д. Пуховичи Пуховичского р-на Минской обл. - февраль 2014, г. Витебск), белорусский художник. Окончил художественно-графический факультет Витебского государственного педагогического института (1970). Учился у И. Столярова, А. Некрасова, Г. Кликушина. Член творческого объединения «Квадрат» (1987). Член Белорусского союза художников (1990). Работал в станковой живописи, графике, создавал коллажи, ассамбляжи, объекты и инсталляции. Автор концепции ПЛИП (поверхность, линия, пятно). Автор афиш и плакатов к различным выставкам витебских художников. |
Среди основных работ: «В конце февраля» (1976), «Цикламен» (1977), «Лету уходящему» (1977), «Каллы» (1980), «Осенний натюрморт с венским креслом» (1981), «На день рождения «Квадрата» (1988), «Интерьер с приоткрытой дверью» (1988), серия «Через красное, через черное, через синее» (1988), «Автопортрет на железном фоне» (1990), «Переезд» (1992), ПЛИП-объект 1 (Время) (1994), «Посвящение М.» (2006), «Good morning, Vincent!» (2007), «Остановка» (2008), «Освобожденная реальность» (2008), «Деньгариум» (2008) и др.
Работы находятся в фондах Национального центра современных искусств Республики Беларусь, Витебского художественного музея, музея «Витебский центр современного искусства», частных коллекциях.
22.06.2020
В рамках виртуального проекта, посвященного 5-летию НЦСИ, сегодня из коллекции центра представляем произведение Зои Литвиновой «Прадстаянне».
Художница Зоя Литвинова яркий представитель белорусского современного искусства. Каждое произведение, созданное ее рукой наделено особым характером, который отражает глубину ее отношения к жизни и творчеству. Зоя Васильевна никогда не занимается копированием, у нее есть собственное видение и эстетический вкус.
|
|
Зоя Литвинова |
Художница родилась в 1938 году на Гомельщине, в деревне Старое Село. В 1961 году окончила Минское художественное училище, после чего поступила в Белорусский театрально–художественный институт, где обучалась монументально-декоративному искусству. Окончила учебное заведение Зоя Васильевна в 1967 году. А в 1970 году уже была принята в члены Союза художников СССР.
В жизни Зою Васильевну часто называли формалисткой. Каждое произведение художницы выражает ее личные чувства и впечатления, ведь женщина не поддается влиянию внешних убеждений. Вдохновением для нее служит творчество Врубеля, Шагала и Матисса, они заряжают ее креативной энергией.
Довольно экспрессивное по своей сути произведение «Предстояние» имеет черты авангарда. Оно было написано на рубеже ХХ и ХХІ веков. Здесь художественная выразительность строится на интуиции и противостоит фотографичности.
Произведение «Предстояние» выполнено в насыщенных красном, синем, охристом тонах с использованием золотой краски, это предает декоративно-образной композиции особый художественный характер. Шесть фигур в длинных одеждах, которые созданы из множества маленьких цветовых плоскостей, в произведении являются ключевыми. Фигуры показаны статично, что подкреплено также горизонтальными и вертикальными границами цветовых частей — возникает ощущение, что энергия, заложенная внутри произведения, вот-вот вырвется наружу и будет неудержима.
Зоя Литвинова зачастую обращается к библейским сюжетам, и делает это умело. Произведение «Предстояние» имеет глубокий библейский подтекст, как и ряд других, созданных художницей в этот период времени.
Зоя Васильевна Литвинова – заслуженный деятель искусств Беларуси. Она имеет ряд наград: Орден «За заслуги в области литературы и искусства» во Франции, Орден Франциска Скорины Республики Беларусь, диплом Академии художеств СССР, диплом Первого Международного пленэра имени Марка Шагала в Витебске, премия на Всесоюзной выставке живописи в Москве, присвоено звание «Заслуженный деятель искусств Республики Беларусь».
Сегодня произведения Зои Васильевны Литвиновой находятся в Национальном художественном музее Республики Беларусь, в Национальном центре современных искусств Республики Беларусь, в полоцком Культурно-историческом музее-заповеднике, в Государственной Третьяковской галерее в Москве, в Государственном Русском Музее в Санкт-Петербурге, в музеях Риги, Новосибирска, Архангельска, Бишкека, Уфы и т.д., а также частных коллекциях и муниципальных собраниях Австрии, Германии, Италии, Дании, Голландии, Англии, ЮАР, Израиля, США и Канады.
Анастасия Редько,
ведущий научный сотрудник отдела фондов НЦСИ
15.06.2020
Работа «Утаймаванне» ( рус. «Укрощение») получена в дар от Виктора Петрова с его персональной выставки «Зеленая стена старого дома 2», малый зал Музея современного изобразительного искусства, 01.04.2014-16.04.2014.
|
|
Виктор Петров |
На квадратной по формату, экспрессивной по рисунку работе – портретное изображение фантастического существа, предположительно, женского пола с высунутым змеиным языком, взгляд направлен на зрителя. Использование глубоко синего и ярко-красного колорита при изображении конусовидной головы с узкими глазами и длинным носом создает ощущение абсолютной ирреальности.
Второе название – «Ночная голова». Произведение относится к 1 периоду творчества художника – фигуративной мистической живописи, и одной из ярко-красной по цвету серии изображений демонических существ обоих полов, экспонировавшейся в галерее современного искусства «6 линия».
Тематика отражает интерес В. Петрова к классической китайской философии, даосизму и дзен-буддизму. Персонаж произведения относится к т.н. «изображениям невидимого мира» на стыке сюрреализма и экспрессионизма и некоторым образом повторяет прием, использованный в буддийской тханке (иконе) при изображении гневных божеств.
В. Петров родился 05.09.1957 года в Минске. Учился в Белорусском государственном театрально-художественном институте (1979–1984). Участник квартирных неофициальных выставок с 1981 года, инициатор образования сообщества независимого современного искусства «Форма» (Минск, 1987-1989), один из создателей Галереи современного искусства «6-я линия» (Минск, 1992), важного арт-пространства 1990-х гг. в Минске, с 1999 года являлся куратором и организатором ежегодного Международного фестиваля перформанса «Новинки» (www.navinkifestival.org).
Представлял Республику Беларусь на 54 Венецианской биеннале (2011 г.).
Результат 35-летнего художественного опыта Виктора Петрова – насыщенные элементами реальности фигуративные живописные полотна с сюжетами и нарративами, а также работы с абстрактной формой выражения. Опыты сюрреализма и дадаизма пересекаются с форматами и фактурами геометрической абстракции, абстрактного экспрессионизма, драматизм и эмоциональный накал наполняется слоями сакрального, глубоко личностного, интимного переживания. «…Искусство всегда несет в себе, в том или ином смысле, аллюзии к реальности, также как искусство всегда есть «некая таинственная сила, которая приходит к художнику и стоит за изображением. Таинственный мир, который «совершается» в искусстве, зовет нас к трансцендентному, рождает в нас эмоции, подвластные только миру искусства», – В. Петров.
Мирошников Михаил Иванович,
заведующий отделом (выставочные залы) НЦСИ
08.06.2020
Художница Людмила Кальмаева в 45 лет переехала из Беларуси в Нидерланды. Переезд в другую страну, особенно в таком возрасте, даётся нелегко. Картина «Моя Голландия» из коллекции НЦСИ как раз о жизни на новом месте.
|
|
Людмила Кальмаева |
За основу Людмила Кальмаева взяла рисунок, сделанный ещё в Минске, - это карандашный рисунок фантазийных бутылочек, расположенный на заднем плане картины. Передний же план художница символично «заставила» яркими предметами, имеющими отношение к её голландской жизни: мельница (голландская мастерская белорусской художницы находится в мельничной пристройке), икона (в Нидерландах художница зарабатывала, давая уроки иконописи), тюбик краски, кломп, словарик, испанская куколка с глобусом на голове (знак того, что, живя в Нидерландах, художница может свободно путешествовать по всему миру), соль и горчица – символы не такой уж «сладкой» жизни в не родной стране, а в центре – часы как символ времени. «Вся эта композиция отражается, как в воде, в сознании художника без иллюзий и искажений», - пишет Людмила Кальмаева. Кроме того, вода – это так типично для Голландии.
Людмила Михайловна Кальмаева - белорусская художница, плакатист. Родилась в 1946 году в Минске. До 1968 года училась в БГТХИ, в 1973 году окончила Государственный институт искусств Эстонской ССР. Член Белорусского союза художников с 1980 года. До 1992 года работала преподавателем Белорусского государственного театрально-художественного института. С 1992 года живёт в городе Арнемауден в Нидерландах. Произведения находятся в Национальном художественном музее Беларуси, Национальном центре современных искусств, фондах Белорусского союза художников, Национальном музее плаката в Вилянуве (Варшава), Музее плаката в Канагаве (Япония), частных собраниях в Нидерландах, Германии, Франции, США, Мексики.
Ольга Вишнева,
ведущий научный сотрудник НЦСИ
01.06.2020
Живописным полотном художницы Аллы Замай «Мир всем» Центр современных искусств открывает виртуальный проект, посвященный 5-летию НЦСИ.
По результатам голосования наших виртуальных посетителей https://docs.google.com/forms еженедельно на сайте будут представлены произведения из коллекции Национального центра по направлениям, набравшим наибольшее количество голосов.
|
|
Замай Алла Николаевна |
Данная картина выбрана не случайно. 1 июня – Международный день защиты детей. Да и название полотна звучит как никогда актуально для сегодняшнего времени.
В нашей республике большинство населения родом из СССР. К сожалению, с каждым годом это соотношение меняется, а вместе со сменой поколений уходит память о летних пионерских лагерях, школьных линейках, форме, пионерских дружинах и событиях той эпохи.
Лето для каждого школьника, не зависимо от социальных и бытовых состояний, самая долгожданная пора, самая любимая, яркая и ожидаемая на события. Монотонность школьных будней, наконец-таки, разбивает свобода от парт, учебников и расписаний звонков. Солнце становится вдвое ярче, а дни втрое длиннее, потому что большую часть этого самого дня занимает «улица». «А лето - это маленькая жизнь» звучит фраза в песне Олега Митяева, правдивость которой более всего ощущают дети, поэты и художники.
На картине Аллы Замай изображена сцена из традиционного для городских детей СССР летнего пионерского лагеря, путевки в который выдавались родителям практически в каждом трудовом коллективе. Несмотря на то, что творчество художницы разнообразно по тематике и жанрам, частыми персонажами ее работ становятся именно дети, умеющие беззаботно радоваться жизни. Может быть, тематику данной картины объясняет факт, что более пятнадцати лет своей насыщенной жизни (1963-1980 гг.) А. Замай посвятила работе в журнале «Піянер Беларусі».
Сюжет картины вызывает в памяти миротворческие миссии Саманты Смит и Кати Лычевой, после которой девочки стали знамениты, а образ «голубя мира» широко использовался в марках, рисунках, плакатах и т.п. Вспоминается и то, что, во время визита в СССР, Саманта провела некоторое время в лагере «Артек», живя в пионерском отряде среди советских сверстников.
|
|
Саманта Смит в «Артеке». Июль 1983 года. Фото: Юрий Абрамочкин. Источник: Википедия |
Многофигурная композиция картины, тщательно проработанные детали, социальная значимость и некоторая идеализация сюжета и персонажей – качества, характерные для живописи соцреализма. Холст наполнен воздухом и настроением. Солнечный свет, щедро заполняющий живопись Аллы Николаевны, стал особой, неповторимой манерой художницы, отличающей ее творчество от других авторов.
Алла Николаевна Замай родилась 14 сентября 1932 года в селе Займо-Обрыв Азовского района Ростовской области. Окончила Ростовское художественное училище (1953), Белорусский театрально-художественный институт (1959). Училась у народного художника БССР Валентина Волкова. Образование получила в Ростовском художественном училище (1953 г.) и Белорусском театрально-художественном институте (1959 г.).
Олеся Иноземцева,
заместитель директора по творческой работе,
искусствовед, арт-куратор
